Martes 22 de abril, 19:00 horas

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

Griselda Pollock, catedrática de Historia social y crítica de arte vuelve a CENDEAC veinte años después de su primera visita.

En esta ocasión Pollock revisará, en dos conferencias, recientes traducciones al castellano de sus textos feministas, clave de la década de 1980, e introducirá y situará tres proyectos recientes donde el pensamiento feminista occidental histórico negocia con las cambiantes políticas culturales y teóricas.

Griselda Pollock: una visión feminista de la Historia del Arte en cinco décadas y cuatro libros 

19:00h_ De Maestras Antiguas a Visión y Diferencia (1968-1988)

La influencia de la revolución cultural de 1968 en el desarrollo de los postulados críticos feministas de Pollock sobre la Historia del Arte

En la primera charla se explicará por qué los marcos teóricos se hicieron necesarios, cómo se aplicaron estos al análisis del arte y de la imagen, y cómo cambiaron nuestra visión de ambos. 

20:00h_ De Diferenciando el canon a Encuentros en el museo virtual (1999-2022)

En la segunda charla se abordará cómo los conceptos de raza, clase social y diferencia se entrelazan en la Historia del Arte, así como en la crítica feminista y en los museos.

Griselda Pollock, teórica, analista cultural e historiadora del arte británica especialista en estudios feministas poscoloniales ha dedicado parte de su obra al estudio de la relación entre la mujer y el arte. Es conocida por su innovación teórica y metodológica, combinada con lecturas de arte histórico y contemporáneo, cine y teoría cultural. Desde 1977, Pollock ha sido una de las estudiosas más influyentes del arte moderno y contemporáneo. También ha ejercido gran influencia en la teoría femista y los estudios de género.

CENDEAC participa con ESCUELA CENDEAC y La CARROTECA, dos de sus proyectos del área de mediación y educación, en la Semana de la Ciencia y la Tecnología de la Región de Murcia 2024, los días 25, 26 y 27 de octubre, en el Jardín Botánico de El Malecón. 

Durante tres días estaremos hablando sobre la relación entre arte y ciencia mediante talleres y demostraciones.

Os esperamos!

Miércoles 3 de julio 2024. 11:00-13:00 h. 

Para niños/niñas de 6 a 12 años.

Lugar: CENDEAC. Actividad gratuita.

INSCRIPCIONES AQUÍ 

Con este texto  el autor nos sumerge en un paseo meteorológico a través de las pinturas de los cielos más representativas.

Las intensas emociones que provoca en nosotros un atardecer de vivos colores, un cielo azul salpicado de bellas nubes, o una fuerte tormenta, de esas que nos atemorizan y fascinan a la vez, han sido trasladadas magistralmente a sus paisajes por los pintores de todas las épocas. Este libro plantea un original y sugerente recorrido por la pintura universal, con la meteorología como hilo conductor. Los cielos retratados en infinidad de obras no son meros telones de fondo, sino la expresión de las vivencias atmosféricas de los pintores. Así lo certifican algunos estudios científicos que se dan a conocer en el libro. ¿Por qué las nubes más abundantes en los cuadros son las típicas de algodón? ¿Han tenido alguna influencia las erupciones volcánicas en las pinturas de Turner, Van Gogh o Munch? ¿Qué secretos encierran los llamativos cielos velazqueños? ¿Cómo han pintado el viento los grandes maestros a lo largo de la historia? ¿Son las pinturas una fuente de información climática? La respuesta a estas y otras muchas cuestiones las encontrará en Los cielos retratados.

Lunes 17 de junio, a las 19:30h, CENDEAC.

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

El autor firmará ejemplares al final de la presentación.

BIO

José Miguel Viñas (@Divulgameteo) es físico y trabaja como meteorólogo en Meteored. Tiene una larga trayectoria como divulgador de las ciencias atmosféricas en medios de comunicación y a través de sus libros, artículos, conferencias y su página web (www.divulgameteo.es). Desde hace veinte años, es colaborador de Radio Nacional, junto a Pepa Fernández, y, desde 2020, también es el hombre del tiempo de Agropopular, el programa de información agraria en COPE, dirigido por César Lumbreras. En televisión participa en programas como “La aventura del saber” y “Órbita Laika”, ambos en La 2 (TVE). Es uno de los socios fundadores de ACOMET (Asociación de Comunicadores de Meteorología).

No somos Petrarca, pero pasamos muchas horas hablando de amor. Puede que sea porque la vida online, exuberante y llena de habitaciones y temporalidades propias, ha roto los vínculos entre miembros de una misma generación y cualquiera de las cuestiones que antes eran resueltas en el terreno compartido de la cultura popular es hoy motivo de disputa y discusión. Puede que sea porque hemos descubierto que de la vida privada y, todavía más allá, de la intimidad, nacen las pasiones que después se convertirán en impulso político o en fenómeno social. Puede que se deba a la aparición de dispositivos tecnológicos que, a pesar de su interfaz, exponen de forma transparente las contradicciones y las dificultades en el núcleo del amor romántico. O puede que, simplemente, charlar sobre el amor nos haga sentir enamorados. Dedicamos más horas que nunca a debatir sobre relaciones, vínculos y deseo, y se publican decenas de ensayos sobre estas cuestiones. ¿Qué hay detrás de esta obsesión que inunda las librerías, desborda Internet, llena los museos y los parques en primavera y, de vez en cuando, se transforma en beso? ¿Qué política, qué economía, qué arte transporta cada discurso sobre el amor?

PROGRAMA 

Por motivos de salud de la conferenciante, la sesión de Núria Gómez Gabriel queda CANCELADA

Jueves, 13 de junio 

18:00h. Enrique Rey Vázquez 

Está por todas partes, está rondando por aquí: una discusión que no se agota: con frecuencia no son más que el viejo chismorreo acelerado, pero, en muchas otras ocasiones, las discusiones sobre amor demuestran que, cuando lo mencionamos, seguimos invocando conflictos, inseguridades y contradicciones. Eso por lo que respecta a nosotros mismos, porque cuando un tema levanta pasiones tan encendidas y provoca tantas alianzas insólitas y enemistades inesperadas, deja de ser una cuestión privada y su elaboración pasa a formar parte de lo colectivo, es decir, de lo político. Hace años que las emociones ya no atañen solo al psicólogo y a su paciente, sino que se han convertido en el material con el que trabajan los sociólogos y en el combustible de nuestro sistema económico. ¿Por qué, de las tres heridas que menciona el poeta (la de la muerte, la del amor, la de la vida), siempre hurgamos en la misma?

19:00h. Leo Espluga  

Tocar y ser tocades: una geografía del encuentro 

¿Se puede pensar singularmente el encuentro relacional sin reforzar la identidad? ¿Existe algún camino posible que no acabe por solidifcarla? Reconocerse en un espacio. Encontrarse a uno mismo en un encuentro. Desde algunas coordenadas cedidas por Kierkegaard, Johannes de Silentio, en su muestra de un sentido otro, del silencio y el secreto, de una posible suspensión, intentaremos desde esas coordenadas desplegar, o más bien, mostrar ese claro del bosque, donde a veces, y solo a veces, pasa por salir al encuentro.  Buscamos pensar desde el espacio del encuentro. Señalar la posibilidad de una manera de relacionarse que no solo de cuenta del elemento singular de la carne, sino que haga de ello el elemento de quiebre de las coordenadas de (re)conocimiento a priori. ¿Hay un discurso posible así? Un lenguaje, una palabra, un decir, que permita mostrar esta realidad que en ocasiones aparece, desentona, vuelve oblicuo. Estamos en búsqueda de esa palabra, que no sabemos aún si es mística inicial, desborde poético o delirio encendido.

20:00h. Clara Ramas San Miguel

Monogamia, amor y bala: El clima contemporáneo se preocupa por el amor y, desde luego, parece decidido a tomar una decisión definitiva sobre la monogamia. ¿Es la monogamia un constructo tóxico que encubre celos y relaciones de poder? ¿Es una hipocresía social que se disuelve en engaño y adulterio? ¿O, por el contrario, es la única fortaleza que nos resguarda en el mundo líquido del capitalismo acelerado? Pensamos en torno a la monogamia y la relación con sus límites, negaciones o superaciones; y si acaso es el amor una bala para sí mismo. 

BIOCURRÍCULUM PARTICIPANTES

Enrique Rey (Madrid, 1992) es periodista de tendencias y crítico cultural, y lleva años participando en revistas y medios escritos. Comenzó publicando artículos en la extinta edición española de Vice Magazine y en la sección de Opinión de EL MUNDO. Actualmente, colabora con el periódico EL PAÍS (particularmente en suplementos como ICON y en las secciones de Cultura y Estilo de Vida) y con revistas como Mercurio y Salvaje. En sus textos aborda los fenómenos más contemporáneos de la cultura de masas, tratando de encontrar el hilo que los conecta con la tradición filosófica. En el CENDEAC de Murcia ha organizado el seminario Contra la Interpretación (2023) y ha colaborado con autores como Agustín Fernández Mallo o Ernesto Castro e instituciones como la Universidad Anáhuac Puebla (México).

Núria Gómez Gabriel (Barcelona, 1987) es investigadora y comunicadora cultural. Su práctica atraviesa las pedagogías críticas, la curaduría de arte contemporáneo y la escritura de ensayo. Doctora en comunicación por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Trabaja como docente en la Universidad Autónoma de Barcelona (Escola Massana), en el Centro de Artes y Diseño de Barcelona (BAU) y en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).

Su trabajo se ha presentado en instituciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), La Casa Encendida (Madrid), Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), Arts Santa Mònica (Barcelona), TABAKALERA Centro Internacional de Cultura Contemporánea (San Sebastián), Centro de Arte Dos de Mayo (Madrid), Hangar Centro de Investigación y Producción para las Artes Visuales (Barcelona), entre otros. Ha publicado los ensayos Love Me Tinder (Temas de Hoy, 2019) y Traumacore. Crónicas de una disociación feminista (Cielo Santo, 2023).

Leo Espluga es filósofo y ha conseguido que más de 30.000 suscriptores a su canal de Youtube se interesen por Hegel. En la plataforma más inesperada (TikTok), ante decenas de miles de seguidores, comenta y discute obras de grandes autores sin banalizarlas ni gamificarlas. Conduce el programa Filosofía Millenial en Ràdio Estel. Ha participado en ciclos de conferencias como El oído extendido, organizado por la Universidad de Zaragoza y ha colaborado con el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB).

Clara Ramas San Miguel (Madrid, 1986) es profesora de Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid. Investiga el problema de la Modernidad y su final desde la obra de Marx, Hegel y Schmitt. Ha trabajado en Alemania con Michael Heinrich en la Neue Marx-Lektüre. Últimamente piensa y escribe sobre nuevos reaccionarios, agravio masculino, nihilismo, memes, Modernidad crepuscular, estética marxista, realismo capitalista y neoliberalismo. Además de numerosos artículos en revistas académicas y capítulos en obras colectivas, ha realizado la edición y traducción de El 18 Brumario de Luis Bonaparte de Marx (2023). Es autora de la monografía Fetiche y mistificación capitalistas. La crítica de la economía política de Marx (2021, 2024 en editorial Brill). Coordina el Seminario Hegel Complutense. Colabora con diversos medios de comunicación (InfoLibre, El País, La 2, Cadena SER) y ha sido Diputada en la Asamblea de Madrid.

Jueves 4 de julio 2024. 11:00-13:00 h. 

Para niños/niñas de 6-12 años.

Lugar: CENDEAC. Actividad gratuita

INSCRIPCIONES AQUÍ

Para el correcto desarrollo de la actividad es necesario que los participantes:

- Se recomienda que lleven ropa cómoda y que pueda ser supceptible de mancharse

- Se ruega puntualidad en la llegada y la recogida de los participantes.

- Se recomienda que los niños/as traigan agua por si necesitan beber durante la sesión.

Más información en escuela.cendeac@gmail.com

Viernes, 5 de julio 2024. 11:00-13:00 h. 

Para niños/niñas de 6-12 años.

Lugar: CENDEAC. Actividad gratuita

INSCRIPCIONES AQUÍ

Para el correcto desarrollo de la actividad es necesario que los participantes:

- Se recomienda que lleven ropa cómoda y que pueda ser supceptible de mancharse

- Se ruega puntualidad en la llegada y la recogida de los participantes.

- Se recomienda que los niños/as traigan agua por si necesitan beber durante la sesión.

Más información en escuela.cendeac@gmail.com

El escritor murciano Juan Soto Ivars viene por primera vez a CENDEAC con una conferencia titulada 'Libros malditos: sobre la pasión de destruir bibliotecas'

El libro parece simpático, afable y humanitario, pero no todo el mundo lo ve igual. Desde la invención de la imprenta, una furia paranoica se ha desatado contra él, confundiendo su lomo con el del diablo y sus entrañas con las del mal. En esta conferencia, conectada con su sección de libros malditos en Cuarto Milenio, Juan Soto Ivars ahonda en el gusto fanático por destruir los libros, en las razones que llevan a la ortodoxia a perseguirlos y en algunos autores que pagaron un alto precio por escribir.

Bio

Juan Soto Ivars (Águilas, 1985) es escritor, columnista y autor de más de una decena de libros, entre ensayos y novelas. Escribe en El Confidencial y El Periódico de Cataluña, participa en programas de radio y televisión como Julia en la Onda o Espejo Público, y tiene una sección monográfica sobre libros censurados y malditos en el programa Cuarto Milenio (Cuatro). Entre sus últimas publicaciones destacan los ensayos "La trinchera de letras" (Premio Internacional de Ensayo Jovellanos) “Nadie se va a reír: la increíble historia de un juicio a la ironía” (Premio Fam Cultura Pop Eye), “La casa del ahorcado: cómo el tabú asfixia la democracia occidental”, “Arden las redes: la poscensura y el nuevo mundo virtual”, la novela “Crímenes del futuro” y la biografía “Knut Hamsun: el autor y las quimeras”. Activista por la libertad de expresión, fue miembro del consejo asesor de la Fundéu hasta su disolución e imparte cursos y conferencias por toda España. Está casado y tiene dos hijos.

La sensibilidad del artista Ramón Gómez de la Serna por la mujer liberada de roles sexuales, pero más precisamente por aquellas que como Safo, tienen la valentía de unirse a otras idénticas a ellas en equilibro, pasión y fidelidad, queda reflejada tanto en la praxis escrita como en su vida.
En este primer acercamiento estudiaremos el tema del lesbianismo y lo queer en el núcleo de la primera Vanguardia, a través de Ramón Gómez de la Serna. Con este enfoque queremos alumbrar en el CENDEAC visiones del autor hasta la fecha poco exploradas. Vamos a acompañar a Ramón en viajes siderales, en espacios intemporales que él mismo dibujó en palabras. Nos encontramos en Portugal, contemplando a dos mujeres en su fantástica Quinta de Palmyra, bañadas por el sol y la playa. Surfeamos por la increíble estética de su libro Senos, nos deleitamos en vivas declaraciones confesionales “la literatura es un estado del CUERPO”, y lo comprobamos en textos como Morbideces o El Misterio de la Encarnación. Ambientada en Berlín sitúa a una bella garçon en la Mujer vestida de Hombre. Vemos representados sus Medios Seres, en incansable búsqueda, fragmentados e incompletos, y nos topamos novelas cortas con finales sorprendentes, como el de ella+ella-el+el. De repente la ficción se desintegra en la realidad y Ramón está en París, conversando en los años veinte con la gran Natalie Clifford Barney, capitana de las Amazonas, que le increpa en un epistolario de ida y vuelta, siendo invitado finalmente nuestro autor al propio templo del amor sáfico.
En esta conferencia, investigamos en la obra ramoniana rastros de sexualidades no binarias, comprobando que toda la obra del autor parte del mismo deseo de difuminar los géneros establecidos, los cánones normativos, tanto en las convenciones sociales como en los patrones artísticos. Por ello el plan de trabajo del ramonismo nace de un impulso original por deshacer las formas, por desenmascarar el artificio, yendo más allá, plus ultra, en el feliz desvanecimiento de límites e identidades. Así en la metáfora, la lírica y la inventiva inexplicable que inunda a raudales, Ramón oculta su verdadero rostro no humorístico.

NEMOTIPOS: LA ÚLTIMA REVOLUCIÓN VISUAL 

¿Son fotografías las imágenes generadas por Inteligencia Artificial?

Desde hace una década, vivimos en un trasvase progresivo de lo real a lo sucedáneo, especialmente desde que las pantallas se apoderan de nuestras conciencias a través de Internet, el smartphone y las redes sociales. En este periodo incierto, ha eclosionado una nueva categoría iconográfica que viene a cuestionar el status quo de la fotografía: los nemotipos. Su nacimiento no es de ahora, no han brotado de repente. Lo que ocurre es que tras la pandemia del coronavirus los adelantos en el campo de la computación de algoritmos y el uso de sistemas mejorados de Inteligencia Artificial (Deep learning & Machine learning) han popularizado sus aplicaciones, especialmente aquellas que generan imágenes. Inmersos en esta última revolución visual se ha acentuado un conflicto socio-cultural cada vez más grave, el de nuestra vulnerabilidad ante lo que vemos. ¿Qué hacemos ante esta invasión descontrolada de ficciones verosímiles? Si los nemotipos no son fotografías ¿qué son?

Intervienen: 

Francisco Jarauta (Zaragoza, 1941). Filósofo español y Catedrático de Filosofía Universidad de Murcia (UMU).

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955). Artista visual, ensayista, pensador de la imagen y divulgador. 

Sema D’Acosta (Sevilla, 1975). Crítico de arte especializado en artes visuales, comisario, docente e investigador.

Modera: Tatiana Abellán (Murcia, 1981). Artista visual, programadora de CENDEAC y vicedecana de Estudios e Internacional en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia (UMU).

CENDEAC

26 de abril, 19.30 horas

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

En este seminario, de dos jornadas y seis sesiones, reflexionaremos sobre interrogantes tan presentes en los debates actuales como ¿a qué se debe la #cultura de la cancelación? ¿cómo leer hoy la literatura clásica sin cancelarla por sus posibles sesgos sexistas, racistas..? ¿qué son las guerras culturales? ¿para reivindicar las identidades tenemos que cancelar la historia?

PROGRAMA

JUEVES 14 DE MARZO 1

0.00 - 10.30 Inauguración/Presentación. Amparo Zacarés, Presidenta de Clásicas y Modernas

10.45- 12.00 ¿Neruda violador? Una reflexión en torno a la impunidad de los “grandes hombres”. Laura Freixas, Escritora. Modera Marina Gilabert

12.15- 13.30 Mesa redonda: ¿Cómo leer hoy la literatura clásica sin cancelarla por sus posibles sesgos sexistas, racistas…? La lectura crítica frente a censura y reescritura correctiva. Intervienen: Amparo Zacarés, Marina Gilabert, Marta Martín (UA). Modera Juana Serna

17.00-18.00 Guerras culturales. Cristina Guirao, Profesora UMU y escritora Modera Rosa María Rodríguez Magda

18.15-19.15 Cancelación. Carmen Domingo, Escritora. Modera Juana Serna

VIERNES 15 DE MARZO

10.00 - 11.30 Lo postmoderno, lo woke y el feminismo. Rosa Mª Rodríguez Magda, Escritora. Modera Cristina Guirao

11.30- 13.00 La poesía amorosa de Espronceda: un asunto turbio de la literatura española. Anna Caballé, escritora, crítica literaria y profesora UB. Modera Amparo Zacarés Seminario organizado en colaboración con la Universidad de Murcia y Clásicas y Modernas.

se pondrán en común dos o tres capítulos de obras de Mark Fisher, Pier Paolo Pasolini y Remedios Zafra.

El objetivo de este club no es otro que pensar acerca de la cultura, no sólo de hacerlo en relación con la producción cultural, sino también en consonancia con los tiempos que corren. Realismo capitalista de Mark Fisher trata el tema de la nostalgia en la cultura y la dificultad de trazar nuevos horizontes culturales desde la década de los ochenta. Remedios Zafra, con Frágiles, aborda la vulnerabilidad humana, la ansiedad y la esperanza para todos aquellos que realizan trabajos culturales precarios; mientras que Escritos corsarios de Pasolini es un texto clave para entender el desarrollo de la sociedad de consumo durante el siglo XX, perfectamente extrapolable a la época en que vivimos.

CALENDARIO: El club constará de dos sesiones una primera introducctoria el 25 de enero y la segunda el día 8 de febrero. 

HORA: A las 18h. Duración aproximada  90min. 

LUGAR: CENDEAC

TEXTOS

3. Zafra, R. (2021). Ambivalencias de la autoexplotación.: El trabajo es mi vida. En Frágiles (2.^a ed., pp. 49-56). Anagrama.

¿Quién puede participar?

El club esta dirigido a personas adultas (a partir de 18 años) relacionadas profesionalmente y/o interesadas en la cultura.

¿Cómo puedo participar?

La asistencia a las sesiones es libre y gratuita hasta completar aforo. Si quieres recibir más indicaciones para preparar y participar de forma más activa y ágil en las sesiones es necesario cumplimentar la inscripción. Además, habrá ejemplares de los libros disponibles para el préstamo en la biblioteca del CENDEAC.

Recomendamos a todas las personas interesadas en asistir inscribirse cumplimentando el formulario en este enlace INSCRIPCIONES AQUÍ.

Para más información puedes dirigirte a alejandro.zambudio90@gmail.com

El Club de Lectura estará guiado por Alejandro Zambudio.

Alejandro Zambudio (Murcia, 1990). Graduado en Derecho. Colabora en JotDown, CTXT, Letras Libres, La Lectura de El Mundo.

Breve memoria de la actividad:

El club de lectura Pensar la Cultura tenía como objetivo hablar de la cultura desde el ámbito productivo, y también reivindicar ese conjunto de tradiciones, saberes y costumbres que dan continuidad a una comunidad. Para ello, utilicé tres textos bastante elocuentes, como Escritos corsarios de Pier Paolo Pasolini, Frágiles de Remedios de Zafra y Realismo capitalista de Mark Fisher. Del libro de Pasolini elegí Culturización y culturización, porque sus críticas a la sociedad de consumo aún permanecen vigentes. Basta con ver las redes sociales para ver que hoy en día, citando a Lévi-Strauss, hay «un monocultivo de hombre en masa». El texto de Remedios Zafra, Ambivalencias de la autoexplotación, el trabajo es mi vida, trata sobre la paradoja de la «libertad de elección» en nuestras sociedades, haciendo del trabajo creativo y del autónomo  un empresario de sí mismo. Mark Fisher, con Realismo capitalista, se ha convertido en uno de los grandes «médicos» de la cultura de nuestro tiempo, incidiendo en la incapacidad de poder pensar en una cultura más allá de la nostalgia, materializándose en la ausencia de  un proyecto de futuro compartido. Como si el «no hay alternativa» de Margaret Thatcher fuera una maldición. Propuse el capítulo titulado Impotencia reflexiva, inmovilización y comunismo liberal, porque creo que es el escrito que mejor explica la pasividad y la conversión del ciudadano en consumidor, especialmente en los jóvenes. La impotencia reflexiva, para el británico, supone la aceptación por parte de estos de la dificultad de imaginar un mundo distinto al propuesto por el sistema capitalista. 

Me pareció interesante, porque en el club había bastantes jóvenes, y ese texto les interpelaba directamente. Es curioso porque les hablan constantemente de la necesidad de vivir el tiempo presente y de olvidarse del futuro al mismo tiempo que les bombardean con el mensaje de que cualquier tiempo pasado fue mejor. La primera sesión fue de presentación de los objetivos del club, y consistió en explicarle a los inscritos el por qué de los libros y de los textos, así como los temas a tratar. En la segunda sesión entramos en el análisis de los textos propuestos. Salió el tema de la nostalgia y de cómo la década de los ochenta se ha convertido en una adicción que nos cuesta superar, ejemplificando el agotamiento de una producción cultural que sólo puede imitar las viejas formas del pasado, en lo referente a Mark Fisher. El texto de Pasolini nos llevó a abordar la fragilidad de los vínculos comunitarios, y de los pequeños actos cotidianos como gesto de reivindicación política o cómo la izquierda aún no ha sabido cuestionar el marco económico y político del neoliberalismo.  Encontramos similitudes en los textos de Zafra y Fisher tenían en común la crítica a una tecnología que ha diluido el concepto de espacio-tiempo, colonizando nuestros espacios de ocio y convirtiéndolos también en actividades de rendimiento. La tecnología, por mucho que los tecnofetichistas opinen lo contrario, rara vez es neutral. Esa fue otro de los temas a debatir. 

En mi experiencia, he comprobado con este club que lo que funciona es la sencillez y la diversidad. Se reunieron personas de distintos sectores profesionales y generaciones, lo cual era uno mis objetivos con esta iniciativa. Me ayudó a verificar que la gente es es más curiosa de lo que pensamos. El mundo académico y el literario pecan, en muchas ocasiones de no «bajar al bar» y hacerse entender. Como si la cultura fuera un ente muerto y no que se renueva constantemente con nuevas miradas. Actualmente, la cultura apenas tiene incidencia. Hay tendencias desagregadas. Por eso, para sacarla de esa marginalidad y hacerla útil, los clubes de lectura pueden ejercer de «guía» o de «faro». También he visto que a los interesados les incentiva más leer el capítulo de un libro que el libro entero, porque el capítulo les permite participar con más facilidad en las sesiones. Al comienzo de la segunda sesión, como anécdota, uno de los inscritos me dijo que, leyendo los textos, se sentía cada vez más identificado con su pertenencia a la clase obrera. Otro de los asistentes leyó un escrito que había redactado en el que reflexionaba sobre el texto de Zafra, comparando la autoexplotación con el mito de Sísifo de Albert Camus. Se generó un espacio confortable y seguro para todos. Y varios me contaron que fue su primera experiencia en un club de lectura y que querían volver a repetir. 

Ni mucho menos los problemas del mundo se curan leyendo, ni la cultura va a acabar con la extrema derecha, como apunta el ministro Urtasun; pero creo que un club de lectura puede hacer más comunidad que cualquier seminario o congreso de arte. Las sesiones salieron a la perfección no sólo por el trabajo de los inscritos, sino también por la labor que, previamente, llevaron a cabo Rocío Quiñonero y Tatiana Abellán, a quienes le agradezco la labor de coordinación de este club. Y también al CENDEAC por darme esta oportunidad y acoger este tipo de eventos.

Actividad gratuita en Familia 

Miércoles, 3 de abril 2024. 17:00-19:00 h. 

CICLO DE IMAGEN. Introducción al retrato artístico 

Sábado, 6 de abril de 2024. 10:00-14:00H

En esta sesión de Escuela CENDEAC exploraremos el concepto del retrato y la creación de la identidad a través de la fotografía analógica de la mano de David de Flores. 

Los participantes aprenderán a manejar una cámara de gran formato, realizando sus propia práctica de retrato. Además, los asistentes podrán revelar sus resultados fotográficos en un laboratorio analógico real. Una práctica destinada a niños, jóvenes y adultos interesados en la fotografía. 

Actividad para todos aquellos interesados en la fotografía: niños (a partir de 5 años), jóvenes y adultos.

Sábado, 5 de abril de 2024. 10:00-14:00H 

En esta sesión de Escuela CENDEAC exploraremos el concepto del retrato y la creación de la identidad a través de la fotografía analógica de la mano de David de Flores. 

Los participantes aprenderán a manejar una cámara de gran formato, realizando sus propia práctica de retrato. Además, los asistentes podrán revelar sus resultados fotográficos en un laboratorio analógico real. Una práctica destinada a niños, jóvenes y adultos interesados en la fotografía. 

Actividad para todos aquellos interesados en la fotografía: niños (a partir de 5 años), jóvenes y adultos.

Jueves, 4 de abril. 10:00-14:00H

En esta sesión en familia, Escuela CENDEAC se adentra una vez más en el mundo de la fotografía analógica de la mano de David de Flores, con sus cámaras de gran formato.

Los participantes aprenderán cómo realizar retratos a través de una cámara de placas y conocerán la técnica para revelar su propia obra en un laboratorio analógico real. Esta sesión práctica está destinada a niñas y niños a partir de los 5 años, acompañados de sus familiares y en ella podrán disfrutar de una experiencia artística y creativa 100 %.

SÁBADO 9 / 12:00 h.

TIERRA EN BLANCO. Una muestra para la Sala Verónicas

-Conversación en el estudio de la artista Rosell Meseguer con Avelino Marín (coleccionista) y Pedro Medina (comisario) sobre Tierra en blanco, su próxima exposición en la Sala Verónicas (Murcia). Concebida como una retrospectiva de media carrera de su trabajo, la muestra y encuentro serán una oportunidad para reflexionar sobre los ejes principales de sus investigaciones.

C. del Tutor 46, bajo dcha, Argüelles 28008 Madrid

SÁBADO 9 / 14:00 h.

Espacio de presentaciones y debates, Speaker’s Corner en ArtsLibris

Presentación del libro Nico Munuera

Participan: Nico Munuera (artista) y Manuel Cebrián (director general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, ICA).

Esta publicación está dentro del proyecto Naturae llevada a cabo en 2023 por Nico Munuera. Un proyecto donde el objetivo ha sido implicar a diferentes agentes que conforman el mundo del arte en todo el proceso de creación. Críticos, diseñadores, traductores, fotógrafos, artistas, etc. con los que se han creado sesiones de puesta en común, en torno al mundo del arte y focalizado sobre el trabajo de Nico Munuera. 

Un proceso colectivo, que se inicia en las intenciones, pasando por el estudio y la producción de obra, finalizando en este caso en la realización de una publicación. Una publicación que contiene una muestra de trabajos desde 2003 / 23 y que refleja el trabajo pictórico realizado en estos años.

SÁBADO 9 / 16:00 h.

Presentación del libro NEMOTIPOS de Joan Fontcuberta con motivo de la exposición que acoge la Sala Verónicas.

Con la participación de Joan Fontcuberta, Sema D´Acosta (comisario) y Manuel Cebrián (director general del Instituto de las Industrias Culturales y las artes, ICA)

Organiza; ICA, Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia

Sala 43. Pabellón 9. 

Uno de los libros de arte contemporáneo más importantes que ha editado el ICA en los últimos años. Asimismo, también puede considerarse una de las monografías en torno al trabajo de Joan Fontcuberta más relevantes de su trayectoria.

Incluye textos y ensayos de algunos de los mejores especialistas españoles actuales de la imagen, tales como el teórico Juan Martín Prada, Sema D’Acosta, comisario de la exposición y el propio Joan Fontcuberta. De forma especial, se añade también un relato de ficción inédito, creado para la ocasión, del escritor murciano Miguel Ángel Hernández.

La publicación está dedicada a la obra de Joan Fontcuberta, sin duda el fotógrafo y pensador de la imagen más importante de nuestro país y de mayor proyección internacional. Reúne sus trabajos generados con IA del último lustro (2018-2024), algunas de ellos inéditas, y otras series anteriores donde se generaba una imagen por algoritmos o softwares específicos.

SÁBADO 9 / 17:00

Presentación del catálogo de la exposición La Guerra del Tiempo. Colección Kells

Participan: Nacho Ruiz, Carolina Parra (galeristas), Juanma Elizalde, Choli Fuentes (coleccionistas) y Manuel Cebrián (director general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes).

Organiza; ICA, Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia

Sala 43. Pabellón 9

XII CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE CONTEMPORÁNEO

CUADRANDO EN CÍRCULO DEL ARTE

13 de noviembre / 19:30h / CENDEAC / Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

El coleccionista Avelino Marín es el tercer invitado, en esta edición del Curso de Introducción al Arte Contemporáneo, y ofrecerá una conferencia titulada ' Por amor al arte'.

Lejos de ser una pasión privada, el coleccionismo supone una responsabilidad social ya que el coleccionista en realidad no es tanto propietario de las obras sino un depositario, alguien que debe procurar conservar y hacer visibles esas obras mostrándolas, prestándolas a museos ayudando así a los artistas y galerías.

En mi larga trayectoria como coleccionista nunca me ha guiado ninguna consideración de tipo económico –su posible revalorización- a la hora de comprar una obra. Nunca las he visto como simples inversiones sino como objetos y discursos que llegaban a mi vida para enriquecerla y hacerla más profunda. La expresión “Por amor al arte” que da título a mi conferencia” es antigua y muy usada pero sin duda recoge de un modo exacto mi relación con el arte y el encuentro con las obras que he incorporado a mi colección que en la mayor parte de las ocasiones han adoptado ese carácter casi de enamoramiento. 

Avelino Marín Meroño es un coleccionista que compagina su actividad empresarial con el coleccionismo de arte contemporáneo, afición que desarrolla desde los 16 años y en la que se ha formado de una manera autodidacta y que actualmente, pone en marcha junto con Luis Leao.

Su colección comenzó con piezas de arte antiguo para ir evolucionando con el paso de los años incorporando todo el espectro del arte contemporáneo, abarcando todas las técnicas y estilos, y cuenta en la actualidad con más de mil piezas. Desde 1999 a 2003 proyectó y creó junto al arquitecto Javier Peña Galiano, la Casa para dos Coleccionistas, en Los Alcázares, un edificio para habitar y convivir con su colección, y que ahora cumple su 20 aniversario.

Fotografía de Juan José Ballester

CUADRANDO EL CÍRCULO DEL ARTE

27 de noviembre / 19:30h/ CENDEAC / Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Durante la conferencia observaremos un hilo tendido en el espacio. Recordaremos el admirable texto de Jean Genet sobre un joven funambulista. Mencionaremos la palabra "tender", que guarda relación con los vocablos "tensión" y "ternura". Reflexionaremos acerca de las obras hechas con hilos de Fred Sandback y trataremos de esbozar una fenomenología de su trabajo, que es, simultáneamente, una experiencia sensorial, melódica y de la memoria. Seguiremos el hilo de Bergson y de Deleuze.

Y, finalmente, analizaremos por qué la artista y crítica de arte Andrea Fraser acertaba al decir: "¿Por qué la obra de Fred Sandback me conmueve hasta hacerme llorar?" (Why does Fred Sandback's work make me cry?.

Georges Didi-Huberman, nacido 1953 en Saint-Étienne. Historiador del arte y ensayista, es Académico en la Academia francesa de Roma (Villa Médici) y residente en la Fundación de Berenson de la Villa I Tatti en Florencia.  Desde 1990 ha dirigido seminarios en la École des Hautes Études en Sciences Sociales. Ha sido docente en Baltimore, Northwestern, Berkeley y Berlín. En Alemania se han traducido varios libros suyos, con repercusión: fue premiado en Hamburgo por la Fundación Aby Warburg y ganó el premio Humboldt en 2006.

Fue responsable de diversas exposiciones, como L'Empreinte en el Centro Georges Pompidou, París, 1997; y Fables du lieu en el Studio national des Arts contemporains, Tourcoing, 2001.

Hizo una exposición inspirada en Aby Warburg en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) Atlas. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? entre 2010 y 2011, y que prosiguió hasta finales de 2011, en Karlsruhe y en Hamburgo.

En junio de 2013, la Biblioteca Nacional francesa ofreció unas jornadas de homenaje a su trabajo: "Images, passions, langages", con la participación de A. Fleischer, J.-L. Nancy y J. Rancière.²​ Entre febrero y septiembre de 2014 creó una exposición en Parés sobre la idea fantasmagórica del arte: "Nouvelles histoires de fantômes", con Arno Gisinger (Palacio de Tokio). En 2015 fue galardonado con el Premio Theodor W. Adorno, otorgado por la ciudad de Fráncfort como reconocimiento a su prolongada trayectoria y contribuciones en diversas áreas de estudio.

Como autor ha publicado docena de libros fundamentales como Imágenes pese a todo-Memoria visual del Holocausto (2004), Lo que vemos, lo que nos mira (2004), Venus rajada: desnudez, sueño, crueldad (2005), Ante el tiempo. Historia del arte y anacronismo de las imágenes (2006), Cuando las imágenes toman posición (2008), La imagen superviviente (2009), Ser cráneo (2009), Ante la imagen. Pregunta formulada a los fines de la historia del arte (2010) y Exvoto: imagen, órgano, tiempo (2013).

En la presentación estarán el director de la revista, Jesús Segura, junto a Paz Tornero, y el profesor y artista Jaime Munárriz, con la conferencia: "Arte transdisciplinar y futuros posibles".

A las 17:30h en el espacio 0 del Pabellón 5, Cuartel de Artillería.

Entrada libre hasta completar el aforo.

10:00h - 11:00h, en CENDEAC.

Bajo el título 'Reflexiones sobre Inteligencia artística con Marisol Salanova' la autora dará una conferencia ad hoc para alumnado de secundaria. 

Disfrutamos a diario de productos creativos, sin embargo, cómo surgen las ideas y qué profesiones van ligadas a la creatividad son temas poco visibles. La autora del libro “Inteligencia artística” (Plataforma Editorial, 2023) es Marisol Salanova, crítica de arte y comisaria de exposiciones, quien participa en Escuela CENDEAC con una charla motivadora y divulgativa, orientada a los jóvenes en etapa de formación que quieran explorar sus capacidades creativas. Según Salanova, la inteligencia artística está desaprovechada en muchos casos y no hay que ser artista para tenerla, pero cuando la estimulamos encontramos caminos nuevos que impulsan nuestro desarrollo personal, con increíbles aplicaciones en la vida cotidiana. A propósito de su libro, presentará las cuestiones que en él aborda con ejemplos gráficos y apoyo audiovisual muy didáctico. 

En la actividad participarán como público el alumnado de IES El Carmen e IES Juan Carlos I y otros alumnos de secundaria de otros centros invitados. 

Marisol Salanova (Valencia, 1982) es crítica de arte y comisaria de exposiciones. Licenciada en Filosofía y Máster en Producción Artística, escribe habitualmente en ABC Cultural y también colabora con Cadena Ser.

Ha asesorado a coleccionistas y artistas internacionales, publicando varios ensayos, numerosos artículos y dirigiendo una colección de libros sobre pensamiento contemporáneo editada por la Generalitat Valenciana.

Es autora, entre otros, de “Inteligencia artística” (Plataforma Editorial, 2023), “Comisariado ¿pedagógico? Exploraciones transformadoras de la práctica curatorial” (Catarata, 2022) y “La Rosalía. Ensayos sobre el buen querer” (Erratanaturae, 2021). A través de medios de comunicación y redes sociales realiza una intensa labor de acercamiento del arte a todos los públicos y defensa de los derechos de los artistas, así como de las buenas prácticas en el sector cultural. 

¿Aún no tienes claro si te gusta el arte?

La historiadora del arte y divulgadora Sara Rubayo presenta su libro 'Te gusta el arte aunque no lo sepas'.

Rubayo, colaboradora habitual del Condensador de Fluzo, de la 2TVE, estará acompañada por Elena Escribano, coordinadora de ICAeduca.

Os esperamos!

Sara Rubayo es Licenciada en Historia del Arte, con máster en coordinación de exposiciones. Cansada de los grises discursos académicos y del tono soporífero con el que se acostumbra a transmitir esta materia, decidió compartir con el resto del mundo su forma de entender la historia del arte. En 2015 abrió su canal en YouTube donde acerca la historia del arte a personas de todas las edades de forma divertida, pero rigurosa, y cuenta ya con más de 100.000 suscriptores. 

Investiga, escribe, comunica, graba, edita y difunde contenido de calidad que va desde los grandes clásicos de la pintura hasta las últimas tendencias del arte. Su labor divulgativa se centra también en Instagram y Twitter, dónde comparte post, stories e hilos en torno al arte desde puntos de vista originales. 

Pone especial atención al rescate de mujeres a las que la historia del arte había relegado a un segundo plano. El resultado es “pintorAs”, fruto de la búsqueda y ordenación cronológica  de artistas mujeres bajo una sola premisa: “todas dentro y ninguna fuera” por corta que fuese su biografía.  

Para financiar su actividad ha creado junto a su equipo un Curso completo de Historia del Arte, organiza visitas guiadas al Museo del Prado y colabora puntualmente con instituciones impartiendo charlas y conferencias.

María Gelpí ofrecerá el sábado, 16 de diciembre, una conferencia dobre Inteligencia Artificial titlulada 'Ocupaciones creativas. Nuevos retos en la era de las Inteligencias Artificiales'

En ella hablará de cómo las inteligencias artificiales se han colado de manera significativa en nuestro día a día y están aquí para quedarse. Su autonomía y capacidades nos asombran y fascinan al mismo tiempo.

Sin embargo, surgen cuestiones urgentes que debemos considerar, especialmente en relación con la necesidad de transparencia en los procesos creativos, así como los límites que deben establecerse para evitar que se conviertan en fuentes de desinformación o nos suplanten en la toma de decisiones.

Además, surgen temores fundados ante la posibilidad de que nos reemplacen en algunos de nuestros empleos. Trataremos de poner en común todos estos aspectos.

MARÍA GELPÍ

Visita guiada y sesión experiemental de la exposición HIPERTELIA de Mónica Rikić

Isabel Hernández Maza, repostera de La Preferida Tartas, dirige esta sesión donde decoraremos galletas con diferentes técnicas y productos. Un placer gastronómico y artístico con el que también podremos decorar nuestro árbol al llegar a casa.

SESIÓN DE MAÑANA: 11-13h

Para niños/as de 7-14 años

Lugar: CENDEAC

INSCRIPCIONES AQUÍ 

* Se recomienda traer un delantal y un rodillo de cocina

SESIÓN DE TARDE: 16:30-18:30h

En familia, recomendado para niños/as de 3-7 años acompañados de un adulto, en el caso de que venga un adulto con dos niños/as informar antes.

Lugar: CENDEAC

INSCRIPCIONES AQUÍ

* Se recomienda traer un delantal y un rodillo de cocina

*NOTAS SOBRE ALÉRGENOS: En la sesión se trabajará con productos que contienen gluten, huevos, lácteos, soja. Pueden contener trazas de cacahuetes, sulfitos y otros frutos de cáscara.

¿Quién y cómo puede participar (inscripciones)?

Cualquier persona que cumpla con los requisitos de edad de cada actividad podrá participar previa inscripción y confirmación de reserva de plaza, que se realizará por riguroso orden de llegada de las de inscripciones.  

Para el correcto desarrollo de la actividad es necesario que los participantes:

- Se recomienda que lleven ropa cómoda y que pueda ser supceptible de mancharse

- Se ruega puntualidad en la llegada y la recogida de los participantes.

- Se recomienda que los niños/as traigan agua por si necesitan beber durante la sesión.

Te invitamos a visitar Sala Verónicas y descubrir la peculiar visión que nos ofrece Ángel Mateo Charris en su exposición Futurama, repleta de personajes icónicos y paisajes cercanos que nos abren una puerta a múltiples universos paralelos.

Apúntate a alguno de estos tres pases especiales en los que viajaremos juntos al futuro!

- 10.30h  INSCRIPCIONES

- 11.30h  INSCRIPCIONES

- 12.30h  INSCRIPCIONES

*Inscripciones aquí a partir del martes 19 de diciembre.

Actividad en familia, para niños/as acompañados de un adulto.

Lugar: SALA VERÓNICAS

Cerramos la programación de este año, dedicado a nuestro XX Aniversario, con una actividad en la que haremos un repaso visual por la cartelería del Cendeac. Utilizando folletos y carteles, propios del centro, elaboraremos diseños y propuestas gráficas que podremos utilizar para personalizar diferentes artículos. 

Lugar: CENDEAC 

INSCRIPCIONES AQUÍ 

Martes 28 de noviembre, a las 19:30h, CENDEAC. Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Cristina García Rodero, fotógrafa de la Agencia Magnum viene a Murcia, invitada por CENDEAC, para hablar de la experiencia vivida durante más de 50 años como fotógrafa documental, así como de su trayectoria, su metodología técnica y el proceso creativo de trabajo desarrollado durante estos años.

Se centrará en una selección de sus temas más importantes, los países visitados, la búsqueda de estilo, la edición de sus libros y exposiciones mostrándolos a través de audiovisuales como España Oculta, Georgia, Refugiados Albanokosovares, Cuba, Rituales en Haití, María Lionza, Entre el Cielo y la Tierra, y ensayos fotográficos como Kumb Mela y Holi (India), Lalibela (Etiopía), Culto a El Niño Fidencio y Vela de los Muxes (México), Culto a Yemanyá (Brasil), en los que capta la intensidad, la belleza y la fuerza de los antiguos y nuevos rituales.

Interesada siempre en el comportamiento humano y en la esencia del hombre; cuerpo y espíritu, le sirven de base para hablar de las dualidades y contradicciones de la vida,poniendo de manifiesto los cambios políticos y económicos, las necesidades actuales y los conflictos sociales.

Cristina García Rodero (1949, Puertollano, Ciudad Real). Licenciada en Pintura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (UCM); profesora de dibujo y de Fotografía en la Escuela de Arte y Diseño de Madrid, 1974-1985, profesora de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes de la UCM, 1983-2005.

En 1973 comienza un trabajo de investigación y recopilación sobre las fiestas, tradiciones y ritos en España. Esta labor está reflejada en “España Oculta”, proyecto que fue mundialmente reconocido obteniendo el premio al Mejor Libro de Fotografía, en el XX Encuentro Internacional de Fotografía de Arlès. Premio Kodak Fotobuchpreis, en Sttutgart, 1990. El World Press Photo, Ámsterdam, galardonó su trabajo en tres ediciones del concurso (1993, 1997 y 2008). García Rodero también es Premio W. Eugene Smith de Fotografía Humanista, Nueva York, 1990; Premio Dr. Erich Salomón, Colonia, 1990; Premio Nacional de Fotografía, 1996 y Premio Olorum Iberoamericano de Fotografía en La Habana, 1996; Premio Godó de Fotoperiodismo, Barcelona, 2000; Premio Bartolomé Ros de PhotoEspaña, 2000; Premio Sociedad Geográfica Española, Madrid, 2001; Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes, 2005; Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid a la trayectoria artística 2006; Premio Alfonso Sánchez García de Periodismo Gráfico, 2007; Premio de las Artes y de la Ciencia Castellano- Manchegos del Mundo (Premio Artes Plásticas), 2008; Premio Comunicación de la Cadena SER, Ciudad Real, 2009. Premio Nacional de Fotografía Piedad Isla de la Diputación de Palencia, 2010. Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas, 2011, Premio de Fotografía del Observatorio D’Achtall, Madrid, 2012. Medalla de oro al mérito en el Trabajo, del Gobierno de España. Madrid, 2014. Medalla de oro de la Comunidad Castilla la Mancha, 2016. Premio Photo España 2017; Doctor Honoris causa por la Universidad de Castilla la Mancha, 2018; Académica de Honor por la Real Academia de Belas Artes Galega, 2019, Premio Ojo Crítico Especial 2020, RNE.

Trabajó con la agencia VU París (1989-2005) y entra en la Agencia Magnum Photos en 2005, de la que es miembro desde 2009. Ha expuesto entre otros en PS1, MOMA Contemporary Art Center, New York, 49º y 51º ediciones de la Biennale di Venezia, Museo del Prado y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; International Center of Photography, Nueva York; Meadows Museum, Dallas; Seattle Art Museum, Washington; Center for Creative Photography, University of Tucson, Arizona; The Museum of Contemporary Photography, Chicago; Museo de Bellas Artes de Caracas; Museo de Arte Moderno de Bogotá; Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile; Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Museo Álvarez Bravo, Oaxaca; Metropolitan Museum of Photography, Tokio; Museo Folkwang, Essen, Alemania; The Photographers’ Gallery, Londres; Il Diaframma, Milán; Palazzo Fortuny, Venecia, Musée Nicéphore de Niepce, Ville de Chalon-Sur-Saône, Francia; Fundación Gulbenkian, Lisboa; Rijksmuseum Twenthe, Enschede, Holanda; Kunsthaus, Suiza; Borusan Kültür ve Sanat, Estambul; Science Museum de Londres; Academia de Bellas Artes de Nápoles; Museo Puskin, Moscú; Fondation Henri Cartier-Bresson, París; Museo de Bellas Artes, Bilbao; Museo Guggenheim, Bilbao; Museo Picasso, Málaga; Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela, La Coruña; Museo Nacional de Antropología, Madrid; Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, MUSAC, Museo de  Arte Contemporáneo de Castilla y León, Valladolid; Centro Atlántico, Las Palmas de Gran Canarias; Museo Municipal de Orense; Palacio Almudí, Murcia; Museo de Arte Contemporáneo de Vigo; I Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, Círculo de Bellas Artes Madrid, y Canal de Isabell II, Madrid, Caixaforum, Fundación “La Caixa”, Barcelona, Centro Cultural de la Villa de Madrid; Palacio de la Virreina, Barcelona; IVAM/Centro Julio González, Valencia.

Su obra es representada por la Galería Juana de Aizpuru en Madrid y la galería Magnum en París. Su fotografía forma parte de la colección del Museo del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Marugame Hirai de Arte Español Contemporáneo de Marugame (Japón), The J. Paul Getty Museum de Los Ángeles, George Eastman House (International Museum of Photography, Rochester, EE.UU.), Museum of Fine Arts of Houston, W. Eugene Smith Memorial Fundation, ICP, Nueva York, Colection Buhl Fundation, Nueva York, The Mother Jones International found for documentary photography, San Francisco, Fond National d’Art Contemporain de París, The Modern Collection, Londres; Museo Folkwang, Essen; Centro Portugués de la Fotografía, Oporto; Collection de la Foundation Select de Lausanne, Suiza; IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno; MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Valladolid; Colección CA2M, Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid; Fundación Foto Colectania, Barcelona; Colección de Arte Contemporáneo Fundación “La Caixa”, Barcelona; Colección Fundación ARCO, Madrid, Museo Galego das Peregrinaciones e de Santiago, Santiago de Compostela, entre otros muchos.

Publicó “España Oculta”, 1989; “Europa, El Sur” y “España, Fiestas y Ritos”, 1992; “Grabarka. O Monte das 6.000 Cruces. Unha Peregrinación Ortodoxa en Polonia“ y “Cristina García Rodero. PhotoBolsillo”, 2000; “Rituales en Haití”, 2001; “A peregrinación de Santiago en Haití”, 2004; “María Lionza, la diosa de los ojos de agua”, 2008; “Transtempo”, 2010; Combatiendo la nada, Centro de Arte, Alcobendas, 2012; Los siete pecados capitales, La Fabrica, Madrid, 2013; Con la boca abierta, CEART, Fuenlabrada, 2014; Tierra de sueños, La Caixa, 2016. Lalibela, cerca del cielo, La Fabrica, Madrid,2017.

La obra de Cristina García Rodero manifiesta siempre un hondo interés por el comportamiento humano, investigando sobre el hombre y lo que lo conforma: espiritualidad y cuerpo, para hablar de las dualidades de la vida y de sus contradicciones: religioso-pagano, natural-sobrenatural, vida-muerte, placer-dolor, guerra-paz, cuidad-campo, nuevo-viejo, tierra-agua, hombres-dioses, espíritus-tierra, indagando sobre las tradiciones y ritos que han sobrevivido durante siglos y las nuevas creencias y manifestaciones, fruto de los cambios económicos y políticos, de las necesidades actuales y conflictos sociales.

En esta 2ª edición del ciclo continuamos iniciando a los más jóvenes en la reflexión filosófica aplicada a las formas artísticas. En la pasada edición se trabajaron conceptos como la Identidad y las Emociones en el arte, y en estas sesiones abordaremos la Intención y el Orden-Caos en el arte, ambas cuestiones fundamentales para la comprensión y aproximación al arte.

DOMINGO, 17 de diciembre. 11:00-13:00h

SESIÓN 2. Caos-Orden en el arte

En esta 2ª edición del ciclo continuamos iniciando a los más jóvenes en la reflexión filosófica aplicada a las formas artísticas. En la pasada edición se trabajaron conceptos como la Identidad y las Emociones en el arte, y en estas sesiones abordaremos la Intención y el Orden-Caos en el arte, ambas cuestiones fundamentales para la comprensión y aproximación al arte.

SÁBADO, 16 de diciembre. 11:00-13:00h

SESIÓN 2. Caos-Orden en el arte

¿Se pueden comprender las formas artísticas a partir de las nociones de caos y orden? ¿Permiten explicar adecuadamente la diferencia, por ejemplo, entre Mondrian y Pollock? ¿Cómo puede hacerse sin caer en afirmaciones triviales como “esa obra es caótica” o “esa obra muestra un gran orden”? La variación de los estilos y el poder de la expresión a lo largo de la historia del arte, y en particular, del arte contemporáneo, invita a reflexionar sobre el caos y el orden, y construir, a partir de ellos, criterios sólidos para comprender adecuadamente el hecho artístico.

En este sentido, el objetivo de esta actividad es mostrar a los niños no solo la relevancia de estas dos nociones, sino, principalmente, que aprendan a utilizarlas correctamente, como una especie de “andamios” con los que formar una opinión propia y bien fundada sobre el arte contemporáneo. 

PROGRAMA DE SESIONES

Las sesiones temáticas son independientes, si sequiere participar en las dos habrá que realizar dos inscripciones. Es importante que la edad de los participantes se ajuste a las que se indica en cada sesión.

Sábado, 25 de noviembre. INTENCIÓN EN EL ARTE. 9-12 años

Domingo, 26 de noviembre. INTENCIÓN EN EL ARTE. 6-8 años

Sábado, 16 de diciembre. CAOS Y ORDEN EN EL ARTE. 9-12 años

Domingo, 17 de diciembre. CAOS Y ORDEN EN EL ARTE. 6-8 años

FILOSOFÍA PARA NIÑOS/AS. Explorando las formas del pensamiento eficaz en el arte contemporáneo.

Con este ciclo se pretende iniciar a los más jóvenes en la reflexión filosófica aplicada a las formas artísticas. En este sentido, el ciclo reúne metodologías propias del pensamiento crítico y la filosofía y obras de arte contemporáneas. El objetivo es que los niños/as aprendan o mejoren su capacidad de análisis, interpretación y evaluación de dichas obras, así como a construir una idea propia y bien argumentada sobre las mismas.

Imparte Antonio Hidalgo Pérez

Profesor de Filosofía de Educación Secundaria. Trabaja en Smartick Thinking diseñando y desarrollando contenidos de filosofía y pensamiento crítico para niños y niñas de entre 6 y 14 años.

En esta 2ª edición del ciclo continuamos iniciando a los más jóvenes en la reflexión filosófica aplicada a las formas artísticas. En la pasada edición se trabajaron conceptos como la Identidad y las Emociones en el arte, y en estas sesiones abordaremos la Intención y el Orden-Caos en el arte, ambas cuestiones fundamentales para la comprensión y aproximación al arte.

DOMINGO, 26 de noviembre. 11:00-13:00h

SESIÓN 1. Intención en la expresión artística:

¿Qué función tiene la intención en la creación artística? ¿Por qué unos “garabatos” como los del artista Cy Twombly son denominamos “arte” y no admitimos como arte los de un niño/a de dos o tres años? ¿Bastaría con la intención o debemos dar cuenta de otros factores? En suma, ¿tenemos recursos y criterios para comprender correctamente una obra de arte y saber distinguirla de otros objetos no artísticos? ¿Y cómo hacerlo?

El objetivo de esta actividad es que los participantes reflexionen sobre la intención en la expresión artística: qué es, qué función tiene, con qué otros factores entra en relación, y cuál es su importancia. Todo ello enfocado a mejorar la comprensión de lo artístico.  

PROGRAMA COMPLETO DE SESIONES

Las sesiones temáticas son independientes, si sequiere participar en las dos habrá que realizar dos inscripciones. Es importante que la edad de los participantes se ajuste a las que se indica en cada sesión.

Sábado, 25 de noviembre. INTENCIÓN EN EL ARTE. 9-12 años

Domingo, 26 de noviembre. INTENCIÓN EN EL ARTE. 6-8 años

Sábado, 16 de diciembre. CAOS Y ORDEN EN EL ARTE. 9-12 años

Domingo, 17 de diciembre. CAOS Y ORDEN EN EL ARTE. 6-8 años

FILOSOFÍA PARA NIÑOS/AS. Explorando las formas del pensamiento eficaz en el arte contemporáneo.

Con este ciclo se pretende iniciar a los más jóvenes en la reflexión filosófica aplicada a las formas artísticas. En este sentido, el ciclo reúne metodologías propias del pensamiento crítico y la filosofía y obras de arte contemporáneas. El objetivo es que los niños/as aprendan o mejoren su capacidad de análisis, interpretación y evaluación de dichas obras, así como a construir una idea propia y bien argumentada sobre las mismas.

Imparte Antonio Hidalgo Pérez

Profesor de Filosofía de Educación Secundaria. Trabaja en Smartick Thinking diseñando y desarrollando contenidos de filosofía y pensamiento crítico para niños y niñas de entre 6 y 14 años.

En esta 2ª edición del ciclo continuamos iniciando a los más jóvenes en la reflexión filosófica aplicada a las formas artísticas. En la pasada edición se trabajaron conceptos como la Identidad y las Emociones en el arte, y en estas sesiones abordaremos la Intención y el Orden-Caos en el arte, ambas cuestiones fundamentales para la comprensión y aproximación al arte.

SÁBADO, 25 de noviembre. 11:00-13:00h

TEA inaugura el viernes 17, a las 19:00 horas, ¿Cuánto dura un eco?, exposición que forma parte de la Sección Oficial de la XVII edición de la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre. La muestra se articula en torno a una generación de artistas que durante la segunda mitad de la década de los sesenta y en los setenta fotografiaron un movimiento de mujeres y un feminismo que irrumpió en la esfera pública. Abierta hasta el 10 de marzo de 2024. 

En relación con esta exposición de fotografía, CENDEAC aporta la publicación “El viaje sin distancia”.  Perversiones del tiempo, el espacio y el dinero ante el límite en la cultura contemporánea. (Colección Ad hoc, 2015) en su primera edición, de la autora Jana Leo, que se encuentra entre la generación de artistas en esta exposición.

Jana Leo vive y trabaja en Nueva York. Artista multidisciplinar, desarrolla su obra a través de diversos medios como el vídeo, el cine, la fotografía, la performance, la arquitectura y la escritura.  Es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid y Máster en Arquitectura por la Universidad de Princeton (EEUU). En este cruce entre filosofía y arquitectura, Jana Leo desarrolla un trabajo de fuerte base conceptual que se materializa en diferentes formatos en una misma obra: libros, fotografías, teatro, dibujos, canciones….

Dónde: TEA. Tenerife. Espacio de las Artes. Santa Cruz de Tenerife

Venta de libros de El viaje sin distancia (1ª edición): Librería-Museo TEA

Cuándo: Fechas: 17/11/2023 > 10/03/2024

De martes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas

Carroteca y manta. Arte contemporáneo y paisaje rural

Mediante una presentación visual daremos a conocer al alumnado de primaria del centro, los recursos y servicios de los que dispone. Contextualizaremos cronológica y socialmente el arte contemporáneo. Revisaremos brevemente las prácticas artísticas contemporáneas y sus posibles diferencias y peculiaridades respecto a las prácticas artísticas de otras épocas.

El desarrollo de la actividad práctica estará directamente relacionado con el paisaje. Consistirá en una actividad en la que el alumnado reproducirá con diferentes técnicas artísticas una parte del paisaje del entorno del centro educativo o de un paisaje rural.

Durante cuatro jornadas, los días 13, 14, 16 y 17 de noviembre acercaremos el arte contemporáneo a más de un centenar de alumona/as de 1º, 2º, 3º, 4º, 5º y 6º de primaria de esta pedanía del Alto Guadalentín.

Sábado, 18 de noviembre 2023. 11:00-13:00 h. 

Sábado, 11 de noviembre 2023

11:00-13:00 h.

URBICANDE

Los arquitectos Enrique de Andrés y Coral Marín forman el estudio Arquitectura de Barrio; un espacio abierto para el arte, el activismo cultural, la arquitectura y el paisaje, donde llevan a cabo diversos proyectos de divulgación cultural e investigación patrimonial, participando en trabajos de ordenación urbana y territorial, reforma, restauración y rehabilitación. Además, desde su espacio dan visibilidad a los procesos creativos y diferentes artistas emergentes a través de su galería y sala de exposiciones.

Cuentan en su haber con diferentes premios y reconocimientos como el Premio Regional de Arquitectura en la categoría de Innovación y Divulgación por “El juego del Rey Sabio” en 2017, y el de "Murcia al Azar" en 2015.

En Escuela CENDEAC estamos comprometidos en colaborar con la formación de futuros profesionales del ámbito de la gestión cualtural, es por ello que participamos con charlas, conferencias o Masterclass en 

En esta ocasión Elena Escribano, ccordinadora de ICAeduca, y Rocío Quiñonero, cocreadora de Escuela CENDEAC y responsable de La CARROTECA, participan en la asignatura Museología y Coleccionismo, del  Máster Universitario en Investigación y Gestión del Patrimonio Histórico-Artístico y Cultural, con una Masterclass titulada 'Desafíos en los centros de arte contemporáneo para una mediación didáctica y aprendizaje permanente. Proyecto de educación y mediación en los centros del ICA'.

CUADRANDO EL CÍRCULO DEL ARTE

30 de octubre / 19:30h / CENDEAC / Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Isidoro Valcárcel Medina (artista)

Luis Valverde Espejo (galerista)

Avelino Marín (coleccionista)

Pablo del Val (director de arte y comisario)

El artista Isidoro Valcárcel Medina inaugura esta edición del Curso de Introducción al Arte Contemporáneo con una conferencia titulada 'La profesión de las ideas'. 

No es la estética el guión principal que rige la expresión artística sino que son asuntos tales como la creatividad y el compromiso.

De este modo, la función ejercida por el ser humano ha de ser el cumplimiento de un acuerdo personal antes que el de un acuerdo social.

El ejercicio de la manifestación de naturaleza artística o creativa, por su propia esencia, se evade de los cánones oficiales y de las rutinas sociales, tales como la economía y las modas.

En una palabra, es el abismo entre el autor que decide su actividad vital y el que se guía por las normas vigentes.

BIO_ Isidoro Valcárcel Medina 

21-12- 

1.9371.9381.9391.9401.9411.9421.9431.9441.9451.946

1.9471,9481.9491.9501.9511.9521.9531.9541.9551.956

1.9571.9581,9591.9601.9611.9621.9631.9641.9651,966

1.9671.9681.9691.9701.9711.9721.9731.9741.9751.976

1.9771.9781.9791.9801.9811.9821.9831.9841.9851.986

1.9871,9881.9891.9901.9911.9921.9931.9941.9951.996

1.9771.9981,9992.0002.0012.0022.0032.0042.0052.006

2.0072.0082.0092.0102.0112.0122.0132.0142.0152.016                   

     2.0172.0182.0192.0202.0212.0222.023

Todas las conferencias serán en CENDEAC a las 19:30h

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

XII CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE CONTEMPORÁNEO

Cuadrando el círculo del arte

 // 30 de octubre //

En The Art Circle, George Dickie trató de reformular su célebre teoría institucional de arte, atisbada diez años antes en su ensayo Art and the Aesthetic: An Institutional Analysis. Allí, defendía que las propiedades esenciales de las obras de arte consistían en su artefactualidad y en el hecho de ser creadas para ser presentadas dentro del mundo del arte. Esta primera teoría institucional atendía también a propiedades ontológicas, representativas o formales pero rechazaba que fueran características definitorias o suficientes para describir un concepto abierto como el de arte. Como es bien sabido, una de las mayores impugnaciones a esta concepción vino de la mano de Arthur Danto, quien consideraba, entre otras cosas, que afirmar que una obra de arte es tal porque forma parte de la institución social llamada mundo del arte rozaba lo tautológico. 

En la décimo segunda edición del Curso de Introducción al Arte Contemporáneo, CENDEAC ha invitado a cuatro figuras destacadas de esa compleja institución social para que expliquen de primera mano cuál es su labor como agentes necesarios, ya sea en el rol de artista, galerista, coleccionista o comisario. El objetivo es propiciar un acercamiento a la naturaleza del arte contemporáneo en la actualidad a partir del desempeño específico de vastos perfiles profesionales que, en este caso, tienen o han tenido un profundo vínculo con la Región de Murcia, lo que no es óbice para entender que las profesiones del arte son mucho más amplias y que la cuadratura del círculo parte de la asunción de la imposibilidad de cartografiar todos los roles que se conjugan en ese endogámico círculo del arte. 

En Cuadrando el círculo del arte participan Isidoro Valcárcel Medina, quien impartirá la conferencia titulada La profesión de las ideas, donde explicará que es el compromiso personal y no la estética lo que define una expresión artística; Luis Valverde, que hablará de la galería como construcción social, entre otros asuntos, en La libertad y el compromiso como proyecto; Avelino Marín, que atenderá también a la responsabilidad social de ser depositario final de las obras de arte; y Pablo del Val quien finalmente abordará la importancia del error en su trayectoria con una conferencia titulada Ortodoxia y heterodoxia. Guía para trazar un futuro profesional.

CUADRANDO EL CÍRCULO DEL ARTE

6 de noviembre / 19:30h / CENDEAC / Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Isidoro Valcárcel Medina (artista)

Luis Valverde Espejo (galerista)

Avelino Marín (coleccionista)

Pablo del Val (director de arte y comisario) 

Luis Valverde Espejo, director de la galería Espacio Mínimo, es el segundo invitado en esta edición del Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. El galerista participa con una conferencia titulada 'La libertad y el compromiso como proyecto'.

Imaginemos un mundo distópico en que las galerías han desaparecido. Tras una reunión global del sector, las 19.000 galerías de 124 países en 3.533 ciudades acuerdan el cierre de su actividad para dedicar sus espacios a realizar experiencias inmersivas. ¿Las echaríamos de menos?, ¿serían prescindibles?, ¿dónde compraríamos obras de arte?, porque, ¿qué es una galería de arte contemporáneo?, ¿qué hace un galerista, cuál es su función, de qué manera desarrolla su actividad, en qué universidad otorgan el grado para ejercer...? 

Preguntas del todo pertinentes para un Curso de Introducción al Arte Contemporáneo como el que nos ocupa, porque hoy en día todavía persiste un notable desconocimiento y una percepción distorsionada sobre el trabajo que llevamos a cabo y la función que llevamos a cabo las galerías de arte. Dos breves anécdotas a modo de ejemplo. Al poco de abrir la galería hace más de 30 años en la calle Radio Murcia de ésta ciudad, en un viaje al pueblo, a la tía Bienve se le despertó la curiosidad y preguntó que qué era eso de la galería. Tras varias explicaciones acabó afirmando decepcionada, que menuda pérdida de tiempo todo lo que habíamos tenido que estudiar para acabar vendiendo cuadros. La segunda historia es más cercana en el tiempo pues sucedió durante la pasada pandemia y tuvo lugar en una reunión telemática convocada por el Ministerio de Cultura y Deporte para escuchar las inquietudes del sector y en la que se encontraban los representantes de las distintas asociaciones. En un momento dado el Ministro tomó la palabra y mostró su preocupación por las pérdidas económicas que sufrirían las galerías ocasionados por la ausencia de ingresos de la venta de entradas durante el confinamiento y posteriores restricciones. Su Excelencia ignoraba que las galerías de arte son gratuitas. 

Así pues, y tras más de 30 años de compromiso acompañando la carrera de nuestros artistas, compartiendo belleza y conocimiento, intentaremos dar algunas respuestas mientras relatamos cómo hemos llegado hasta aquí. Nos centraremos en la idea de la galería como una construcción social, un proyecto que solo tiene sentido desde un constante ejercicio de libertad y en un actor desconocido y esencial del sistema del arte, el galerista. Su misión es sencilla, ser el nexo de unión de los artistas con la sociedad y que las obras de arte pasen a mejores manos. Supone un inmenso placer compartir estas jornadas que casualmente nos hace coincidir ahora a un artista, un director de arte y comisario, y un coleccionista y que han depositado el tesoro de su confianza y complicidad en la galería Espacio Mínimo.        

 Texto de Luis Valverde Espejo

LUIS VALVERDE ESPEJO. Valladolid, 1966

Titulado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Murcia comienza su andadura profesional como actor y director en diversas producciones, obteniendo el galardón Murcia Joven de teatro por la dirección de La cantante calva de Eugene Ionesco y funda en 1990 con José Martínez Calvo la compañía Teatro del Laberinto realizando la adaptación de la novela de Patricia Hysmith Extraños en un tren y de Valentín de Juán Gil Albert, así como la dirección de La vida es sueño de Calderón de la Barca, entre otras. Ejerce durante cinco años como profesor de interpretación y dirección escénica en la ESAD de Murcia y colabora con el Diario La Opinión de Murcia como crítico teatral. Paralelamente en artes visuales colabora ocasionalmente con el Departamento de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura de la Región de Murcia y funda con José Martínez Calvo la galería Espacio Mínimo en 1992 en la ciudad de Murcia. En el año 2000 se trasladan a su ubicación actual de la calle Doctor Fourquet en Madrid. Junto a José Martínez Calvo dirige la galería y ha centrando su actividad en la promoción de las últimas tendencias del arte contemporáneo internacional, sin exclusión de técnicas o soportes, mostrando regularmente el trabajo tanto de artistas establecidos como emergentes, participando en ferias internacionales de arte e introduciendo en destacados museos y colecciones a sus artistas representados. Luis Valverde Espejo ha sido miembro de la Junta Directiva de la Asociación de Galerías ArteMadrid y del Comité de la feria Art Chicago. En octubre de 2022 celebra el 30 aniversario de la galería con una exposición que abarca en tres tiempos la trayectoria de Espacio Mínimo. Tras el fallecimiento de Pepe en mayo de 2023, Luis y el equipo de la galería continúan con el legado.

Todas las conferencias serán en CENDEAC a las 19:30h

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

XII CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE CONTEMPORÁNEO

Cuadrando el círculo del arte

 // 30 de octubre //

En The Art Circle, George Dickie trató de reformular su célebre teoría institucional de arte, atisbada diez años antes en su ensayo Art and the Aesthetic: An Institutional Analysis. Allí, defendía que las propiedades esenciales de las obras de arte consistían en su artefactualidad y en el hecho de ser creadas para ser presentadas dentro del mundo del arte. Esta primera teoría institucional atendía también a propiedades ontológicas, representativas o formales pero rechazaba que fueran características definitorias o suficientes para describir un concepto abierto como el de arte. Como es bien sabido, una de las mayores impugnaciones a esta concepción vino de la mano de Arthur Danto, quien consideraba, entre otras cosas, que afirmar que una obra de arte es tal porque forma parte de la institución social llamada mundo del arte rozaba lo tautológico. 

En la décimo segunda edición del Curso de Introducción al Arte Contemporáneo, CENDEAC ha invitado a cuatro figuras destacadas de esa compleja institución social para que expliquen de primera mano cuál es su labor como agentes necesarios, ya sea en el rol de artista, galerista, coleccionista o comisario. El objetivo es propiciar un acercamiento a la naturaleza del arte contemporáneo en la actualidad a partir del desempeño específico de vastos perfiles profesionales que, en este caso, tienen o han tenido un profundo vínculo con la Región de Murcia, lo que no es óbice para entender que las profesiones del arte son mucho más amplias y que la cuadratura del círculo parte de la asunción de la imposibilidad de cartografiar todos los roles que se conjugan en ese endogámico círculo del arte. 

En Cuadrando el círculo del arte participan Isidoro Valcárcel Medina, quien impartirá la conferencia titulada La profesión de las ideas, donde explicará que es el compromiso personal y no la estética lo que define una expresión artística; Luis Valverde, que hablará de la galería como construcción social, entre otros asuntos, en La libertad y el compromiso como proyecto; Avelino Marín, que atenderá también a la responsabilidad social de ser depositario final de las obras de arte; y Pablo del Val quien finalmente abordará la importancia del error en su trayectoria con una conferencia titulada Ortodoxia y heterodoxia. Guía para trazar un futuro profesional.

Sábado, 28 de octubre 2023. 11:00-13:00 h.

Lugar: CENDEAC / Centro Párraga

Sábado, 21 de octubre 2023. 11:00-13:00 h.